Intervista a Lynn Johnson, fotografa del National Geographic

DF: La maggior parte dei fotografi amano “sparare alla loro preda” lontano da essa, a “distanza di sicurezza” e agire come un lupo solitario. In alcuni casi è importante per un fotografo essere invisibile, ma il tuo obiettivo è quello di essere a contatto con i tuoi soggetti, ponendo domande che a volte trafiggono il loro mondo intimo. Quanto è facile prendere confidenza con le persone, e trarne il massimo vantaggio, nel tuo lavoro?

LJ: Lasciatemi dire prima di tutto che spero di non considerare mai le persone, i momenti e le relazioni dall’altra parte della mia macchina fotografica come una preda. Questo è, dal mio punto di vista personale, inaccettabile. Ma so che siamo addestrati come giornalisti con una macchina fotografica per essere “oggettivi”, per essere lontani. Credo nell’equilibrio, ma maturando non credo più che sia possibile essere oggettivi. Dobbiamo lavorare dal nostro centro ed è quel centro da cui nascono quelle domande penetranti. Voglio essere vicino, fisicamente vicino (e spesso uso un 21mm) ed emotivamente vicino. L’equilibrio viene fornito con cautela nel non voler lasciare che le persone con cui sto lavorando fraintendano le mie intenzioni. Sono molto chiara su questo punto. Dichiaro più e più volte l’importanza della storia, della missione condivisa. In breve, la macchina fotografica è uno scudo e un portale di quel processo di chiusura. La fiducia vive su una scala mobile a seconda della situazione e della persona dall’altra parte della macchina fotografica. La mia “postura” principale è il rispetto.

DF: Hai recentemente conquistato lo stato di Fellowship in National Geographic, un sogno per la maggior parte dei fotografi; tornando indietro nel tempo, qual è stato il ruolo del National Geographic per te prima del tuo primo contatto con uno dei loro editori o fotografi?

LJ: Penso che tu ti stia chiedendo qual è stata la mia impressione di NG prima che io iniziassi a lavorare lì. Beh, era un Golia. Era irraggiungibile. Era un dio della fotografia. Ma naturalmente ora so che dopo circa 25 anni di lavoro con i meravigliosi direttori di fotografia, scrittori, designer e altro personale, che si tratta di un organismo, una famiglia, un clan. Quello che amo di più è la dedizione individuale all’eccellenza. Ogni storia è un nuovo inizio con le proprie personalità ed energie. La Fellowship è, da un lato un regalo straordinario e dall’altro una responsabilità e in qualche modo, spero, un voto di fiducia per il lavoro che ho fatto in questi anni. Ritengo che sia una responsabilità far funzionare il programma per tutte le aree della National Geographic Society in modo che un altro gruppo di fotografi possa intervenire e beneficiarne.

DF: Dalle armi di distruzione di massa alla vita intima di un atleta paralimpico, dal punto di vista più grande ai micro dettagli del mondo di una singola persona, sembra di comportarsi come un obiettivo universale. Come ci si può adattare ad una così ampia gamma di situazioni?

LJ; Mi piace il modo in cui lo inquadrate. Beh, credo di essere spinta dalla curiosità. Voglio vivere in un mondo pieno di personalità, situazioni e relazioni diverse. Non sono solo dipendente dall’inquadratura – la piccola finestra della macchina fotografica – ma anche dalla gioia di osservare e interagire con gli altri. A volte mi sento come un aspirapolvere umano, che inala luce ed esperienza.

DF: Le persone sono sicuramente uno dei tuoi soggetti preferiti, con tutte le storie che portano con sé. Alcune di queste storie si sono fatte spazio dentro di te, aiutando il tuo lavoro e la tua crescita personale?

LJ: Si stabiliscono tutte in me. Ciò che è sorprendente è il modo in cui galleggiano in superficie in momenti inaspettati, innescati da un compito o da un’esperienza di vita attuale. Quando sono matura capisco che sono perle su una corda, una corda grezza. Ogni storia si riferisce alla storia successiva o a quella di 10 anni fa o alla storia ancora da assegnare. Che università! Che privilegio, poter imparare e crescere nella conoscenza e nello spirito con insegnanti provenienti da ogni angolo del mondo, da ogni tipo di vita. E gli insegnanti non sono consapevoli del loro ruolo. Stanno semplicemente vivendo la loro vita, sopravvivendo al meglio che possono eppure sono ancora disposti a condividere le loro storie. Comprendere che la crescita personale è una parte fondamentale della vita creativa che la coscienza è diventata più importante. Mi chiedo come questo avrà un impatto sulla mia struttura personale. Per molti versi la fotografia è intuitiva, nasce dal cuore, dalla pancia. Temo che renderla troppo cosciente possa danneggiare il lavoro.

DF: Tu sei anche unìinsegnante di fotografia e la gente ama il tuo insegnamento. E’ successo di imparare qualcosa dai tuoi studenti?

LJ: Ogni momento con uno studente ha un valore inestimabile. Siamo entrambi studenti che condividono pensieri su un’immagine o una situazione. Da quando ho iniziato a insegnare come candidata al Master in una Knight Fellowship alla Ohio University, sono rimasta stupita di come gli studenti hanno sfidato tutto ciò che pensavo di avere a cuore. Ho imparato che non puoi dettare ma devi chiedere. Non si può supporre ma bisogna ascoltare. La cosa più importante come insegnante è che è necessario uscire dal modo di creatività innata delle persone in modo che possano accedere al proprio spirito individuale e all’intenzione. Questo non è facile. Sto mettendo costantemente in discussione il mio linguaggio e le mie convinzioni, battendo costantemente i miei pregiudizi e pregiudizi. Tutti noi abbiamo questi atteggiamenti e qualità mentali. Si mettono in mezzo. Gli studenti sono anche un potente motivatore. Sento un senso di responsabilità nei loro confronti per mostrare una sana etica del lavoro, per modellare un rapporto rispettoso ed equilibrato con coloro che si trovano dall’altra parte della mia macchina fotografica. Voglio che sappiano che questa è una vita e non solo una professione.

DF: Dopo 30 anni di carriera, sei libera di scegliere il tuo prossimo incarico, o sei costretta da editori e riviste? In quest’ultimo caso, quanta libertà hai nel preparare, riprendere e modificare il tuo lavoro?

LJ: Finalmente circa 8-10 anni fa ho iniziato a ricevere incarichi che mi intrigavano in modo diverso, non solo documentando situazioni o personalità (e che mi piacciono ancora oggi). Ora, la maggior parte dei miei compiti richiede un approccio speciale per dare vita a soggetti abbastanza non visivi in forma fotografica. Do molto merito per questo percorso a NG e in particolare a Sarah Leen, che era uno dei miei story editor e che ora è il Direttore della Fotografia. Ho una buona dose di libertà, ma i suggerimenti per quanto riguarda l’estetica e i contenuti editoriali devono essere basati su idee convincenti e informazioni solide. La ricerca e il lavoro di concerto con un editor di immagini è il primo passo. Editeremo anche insieme e questo processo ha reso alcune delle mie relazioni lì molto potenti in quanto abbracciano sia l’ambito professionale che personale.

DF: Se la fotografia potesseessere divisa in tre momenti: mirare, azionare il pulsante di scatto, tornare a casa per vedere i risultati, quale di questi tre momenti ti emoziona di più?

LJ: Beh, prima di tutto non mi piacciono le parole scelte in questa domanda anche se sono accurate nel significato letterale (in lingua inglese, ndt). Puntare. Innescare. Sparare. Non ho in mano una pistola. Ho in mano una macchina fotografica e la mia intenzione con quella macchina fotografica è di onorare la persona dall’altra parte. Quel linguaggio crea una mentalità e la mentalità crea un certo tipo di comportamento e di immagine fotografica. Inizia da lì, nel tuo cervello, nella bocca e nel senso del tuo scopo. Quindi userei parole come queste per descrivere il mio processo: ascoltare, osservare, fotografare, ascoltare, sentire, muoversi, ascoltare, fotografare, riascoltare, muoversi di nuovo, infatti muoversi costantemente – lentamente, fotografare, immergersi, condividere la gratitudine, tornare a casa, editare, affondare di nuovo nel momento. Ogni fase è la mia preferita perché ognuna ha un tenore e uno scopo diverso. In questi ultimi anni credo che l’ascolto sia forse la parte più importante di questa danza.

DF: Potresti ricordare qual è la migliore foto che non hai scattato?

Che grande domanda. Da giovane fotografa non ho capito il valore di NON fotografare. Ora ci sono momenti in cui semplicemente non riesco a sollevare la macchina fotografica al mio occhio. Non voglio che il dispositivo oscuri l’esperienza. Non voglio insultare la persona che condivide la sua storia. Questi momenti sono conservati in un modo ancora più potente essendo assorbiti nel mio corpo e nella mia mente? Forse, ma poi la condivisione non è possibile. Mette in discussione il potere di una fotografia, che credo fermamente possa salvare una vita e cambiare il corso della storia. E’ un momento più forte se tenuto egoisticamente o condiviso attraverso l’immagine? Ricordo di aver fatto una storia sulle donne e l’acqua in una regione arida del Kenya. Era prima dell’alba. Stavo dormendo in una tenda dentro le mura di fango di un villaggio, i suoi abitanti che lottano per sopravvivere alla siccità. C’era un suono, solo un tono. Mi sono alzato e mi sono mosso verso di esso e ho visto circa 7 donne in piedi in uno spazio pulito nel mezzo del villaggio. Erano in piedi insieme, spalla a spalla, i volti sollevati. Ogni minuto un’altra donna si unì a loro. I loro passi facevano piccole nuvole di polvere mentre camminavano. C’è stato un istante in cui ho pensato – torna indietro e prendi la macchina fotografica – ma invece sono andato avanti. Mentre mi avvicinavo al gruppo, una delle signore mi tese la mano e mi attirò verso di lei. Da spalla a spalla. Mentre il sole sorgeva, le loro voci si alzavano. Il canto era una preghiera per l’acqua, una preghiera quotidiana per la vita.