Eveningside. Il nuovo capolavoro di Gregory Crewdson

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Le Gallerie d’Italia di Torino ospitano, a partire dal 12 ottobre 2022 e fino al 22 gennaio 2023, la grande mostra di uno dei più grandi fotografi contemporanei, Gregory Crewdson, che presenta in anteprima internazionale a Torino, e per la prima volta in un museo, il terzo capitolo della sua trilogia commissionata per l’occasione da Intesa Sanpaolo.

Noi abbiamo avuto l’occasione di incontrare l’autore in anteprima a Torino, in quella che si è rivelata una delle interviste più emozionanti nella storia di Discorsi Fotografici, grazie alla grande sensibilità dell’autore ed all’ottimo lavoro svolto da Gallerie d’Italia per mettere in mostra tutto l’enorme potenziale narrativo dell’opera di Crewdson.

Come è iniziata la sua storia personale nella fotografia e quali sono stati i passi importanti che le hanno permesso di esprimere al meglio questa forma d’arte?

Credo che la prima volta che mi sono reso conto del potere della fotografia sia stato quando mio padre mi ha portato a vedere la retrospettiva su Diane Arbus, quando avevo dieci anni, al Museo d’Arte Moderna. E già da bambino capivo la possibile urgenza psicologica delle immagini. Ho iniziato a fotografare non molto più tardi nella vita, quando ho seguito un corso di fotografia nella mia classe universitaria. La scuola è sempre stata impegnativa per me, ero dislessico; quindi, avevo difficoltà a sostenere i test e a leggere. La prima volta che ho scattato una fotografia vera e propria e ho realizzato un’immagine in camera oscura, ho capito subito come leggere un’immagine fissa e ho capito quanto volessi dedicare la mia vita a fare fotografie. È qualcosa che sentivo di saper fare. D’altra parte, ho sempre amato il cinema e mi sono sempre sentito molto ispirato e influenzato dai film. Quindi, nel corso della mia intera carriera artistica, ho cercato di utilizzare la fotografia fissa, ma ho anche introdotto codici narrativi di illuminazione e atmosfera.

Il progetto Eveningside è il terzo capitolo di una trilogia dopo Cathedral of the Pines e An Eclipse of Moths. Quali sono le principali differenze tra le tre opere? Ha immaginato tutti i temi della trilogia fin dall’inizio o questi sono venuti fuori man mano?

Credo che, come la maggior parte degli artisti, io lavori in modo intuitivo; quindi, non ho un’immagine chiara di ciò che sto per fare quando inizio a girare un progetto. Ma quando ho realizzato Cathedral of the Pines, uno dei motivi o temi forti era la natura e l’isolamento. Ci sono immagini più intime in questo progetto e quelle immagini erano molto importanti per me. Ma quando ho finito quella serie, sapevo che volevo che il progetto successivo fosse più ampio, su una scala più grande, con figure più piccole. Una fuga dalla città in un certo modo. Così, questa parte della trilogia si è costruita e si è contrapposta alla prima serie di lavori. Poi, quando ho iniziato a pensare a Eveningside, ho voluto unire queste due cose e tornare a stampe più intime e piccole, ma in un contesto più urbano. E sapevo di voler scattare in bianco e nero. È stata la prima volta che ho girato in bianco e nero con l’intero team di produzione. E quelle immagini erano molto influenzate dai film noir e anche dalla storia del mezzo, che ho sempre amato. Ho sempre amato la storia della fotografia in bianco e nero.

Spesso leggiamo nelle recensioni dei suoi lavori fotografici che il linguaggio che usa si rifà a quel film o alle opere di Hopper, Rockwell e così via. In che modo il suo approccio personale estende questi linguaggi, va al di là del già visto, e quindi diventa a pieno titolo un’opera di Gregory Crewdson?

Ancora una volta, come tutti gli artisti, credo che quello che facciamo sia ereditare una serie di tradizioni e convenzioni. Ci definiamo in base al lavoro che amiamo. Sono sempre stato interessato a una tradizione di artisti soprattutto americani, che cercano l’intersezione della teatralità nella vita quotidiana, e ciò che gli artisti fanno è assorbire quelle tradizioni, quelle convenzioni, interiorizzarle e poi farle proprie. Mi sono sempre ispirato a Edward Hopper, Steven Spielberg, David Lynch, Diane Arbus, come ho detto prima, Cindy Sherman e altri. Ho assorbito alcuni aspetti del loro lavoro inconsciamente, penso a qualcosa e poi lo modifico per renderlo mio. Questo è ciò che penso facciano gli artisti. E poi la prossima generazione di artisti assorbirà alcune cose dal mio lavoro e lo farà proprio. È il processo continuo dell’essere fotografo.

Sebbene la solitudine sia un concetto universale, ognuno di noi la vive a modo suo e con sentimenti personali. È possibile fotografare la solitudine umana in modo oggettivo e universale? Oppure nel suo lavoro c’è sempre una parte di come vive o ha vissuto la sua personale solitudine?

Credo che tutti i fotografi, in un modo o nell’altro, si sentano leggermente separati dal mondo. Credo che sia qualcosa che ci attrae tutti in termini di mezzo di comunicazione, in cui ci sentiamo un po’ isolati, persino l’atto di scattare una foto avvicinando il banco ottico all’occhio è un atto di separazione. Quindi, credo che questa sia la condizione generale del mezzo. Ma è anche un motivo molto diretto nel mio lavoro: è la solitudine, ma voglio creare una connessione. Quindi queste due cose si uniscono, è come sentirsi leggermente separati dal mondo, ma anche voler far parte di qualcosa di più grande di te.

Uno degli aspetti che più ci ha colpito delle sue opere è che possono essere osservate da lontano, con una visione d’insieme che ricorda il cinema, e da vicino, dove ogni singolo dettaglio conta e contribuisce a imprimere in modo indelebile concetti e sensazioni. Questi due modi di osservare possono arrivare a esporre concetti opposti nello stesso scatto?

Una cosa che cerco sempre nel mio lavoro è l’opposizione. Mi interessano molto i contrasti e le polarità opposte. Che si tratti di natura e cultura, luce e oscurità, giorno e sera, bellezza e tristezza. Quindi, una di queste polarità è l’idea di essere intimi, di avere un senso di intimità ma anche di distacco. È un tipo di combinazione interessante per me, come far sentire qualcosa di privato e intimo, ma allo stesso tempo distante e separato.

Dopo una mostra nei primi anni Duemila, lei torna in Italia con un’intera monografia ed è anche il primo artista internazionale a esporre nella neonata Galleria di Italia a Torino dedicata alla fotografia. Secondo lei, l’interpretazione delle sue opere può essere diversa a seconda delle culture o delle società in cui le espone, oppure mira a creare concetti universalmente comprensibili a prescindere dalla particolare cultura di provenienza?

Credo che il mio lavoro di fotografo consista nel realizzare le immagini nel miglior modo possibile, cercando di renderle belle, misteriose e formalmente complesse. Ma una volta che ho realizzato l’immagine, l’intera immagine viene diffusa nel mondo e il pubblico apporta il proprio significato alla fotografia. Quindi, non ho alcuna aspettativa su come le immagini possano essere lette al di fuori della mia creazione, ma uno dei grandi piaceri per me è che le persone portino le loro storie alle immagini, perché la fotografia è molto diversa, credo, da altre forme narrative e si relaziona alle storie incompiute in un certo modo. Lo spettatore deve dare la propria interpretazione alla foto, in ogni caso. Quindi, rimane sempre una sorta di domanda e mai una risposta. Lo spettatore deve portare le proprie associazioni, ovunque esse siano.

Pensa che Eveningside sia uno dei suoi progetti migliori?

Certamente! Sai, penso che gli artisti attraversino dei cicli e che ci sia un momento di eccitazione quando le immagini escono nel mondo, ma allo stesso tempo devi essere preparato al momento in cui perdi la proprietà delle immagini e devi lasciare che abbiano la loro vita. Sento che la qualità della narrazione è diversa e il bianco e nero è qualcosa che ho sempre voluto fare con un team di produzione completo. Non l’ho mai fatto prima e questo mi rende molto eccitato. Mi mostra un sacco di possibilità su dove proseguire.

Intervista a cura di Federico Emmi e Silvio Villa

Foto copertina: GREGORY CREWDSON, Morningside Home for Women, 2021-2022, Stampa digitale ai pigmenti, 87,6 × 116,8 cm © Gregory Crewdson


Eveningside. Crewdson Gregory’s new masterpiece.

The Gallerie d’Italia in Turin is hosting, starting October 12, 2022 and running until January 22, 2023, the major exhibition of one of the greatest contemporary photographers, Gregory Crewdson, who is presenting an international preview in Turin, and for the first time in a museum, the third chapter of his trilogy commissioned for the occasion by Intesa Sanpaolo.

We had the opportunity to meet the author for the preview in Turin, in what turned out to be one of the most exciting interviews in the history of Discorsi Fotografici, thanks to the author’s great sensitivity and the excellent work done by Gallerie d’Italia to showcase the full narrative potential of Crewdson’s work.

How did your personal history in photography begin, and what were the important steps that allowed you to best express this form of art?

I think the first time that I became aware of the power of photography was when my father brought me to see the Diane Arbus retrospective, when I was 10 years old, at the Museum of Modern Art. And even as a young child, I understood the possible psychological urgency of pictures. I did start taking pictures not too much later in life when I took a class of photography in my undergraduate class at college. The school was always challenging for me, I was dyslexic, so I had a hard time with test taking and reading. The first time I took an actual photograph and made a picture in a dark room, I immediately understood how to read a still picture, and I knew how much I wanted to dedicate my life to making photographs. It’s something I felt like I knew how to do. On the other side, I’ve always loved movies and always feel very inspired and influenced by movies. So, over my entire career as an artist, I’ve tried to use the still photograph, but I also bringed in kind of narrative codes of lighting and atmosphere.

The project Eveningside is the third chapter of a trilogy after Cathedral of the Pines and An Eclipse of Moths. What are the main differences between the three works? Did you envision all the themes of the trilogy from the beginning, or did these come as you went along over time?

I think like most artists, I work intuitively, so I don’t have a clear picture of what I’m going to do as I begin to shoot a project. But when I made Cathedral of the Pines, one of the strong motifs or themes was nature and isolation. There are more intimate pictures in this project and those pictures were very important to me. But when I finished, that series, I knew I wanted the next project to be more expansive, on a larger scale, with smaller figures. A city escape in a certain way. So, this part of the trilogy built and contrasted with the first body of work. And then when I started thinking about the Eveningside, I wanted to bring those two things together and have to go back, to more intimate smaller prints, but in a more urban context. And I knew I wanted to shoot in black and white. That was the first time I shot in black and white with the whole production team. And those pictures were very influenced by film noir primarily and also by the history of the medium, which I always loved. Like I always loved the history of black and white photography.

We often read in reviews of your photographic work that the language you use draws on that film or the works of Hopper, Rockwell, and so on. How does your personal approach extend such languages, go beyond the already seen, and thus become in its own right a work of Gregory Crewdson?

Again, like all artists, I believe what we do is inherit sets of traditions and conventions. We define ourselves by work that we love. And I’ve always been interested in a tradition of primarily American artists, who look for the intersection of theatricality in everyday life, and what artists do is that they absorb those traditions, those conventions, internalize them and then make them their own. So, I’ve always been inspired by Edward Hopper, Steven Spielberg, David Lynch, Diane Arbus, as I said earlier, Cindy Sherman, and others. I absorbed certain aspects of their work unconsciously, I think about something, and then I change it to make it my own. So that’s what I think artists do. And then the next generation of artists will absorb certain things from my work and make it their own. It’s just the ongoing process of being a photographer.

Although loneliness is a universal concept, each of us experiences it in our own way and with personal feelings. Is it possible to photograph human loneliness objectively and universally? Or is there always in your work a part of how you experience or have experienced your own personal loneliness?

I think all photographers, in one way or another, feel slightly separate from the world. I believe it’s something that we’re all drawn to in terms of the medium where we feel slightly isolated, even the act of taking a picture putting the view camera to your eye it’s an act of separation. So, I feel that that’s the overall condition of the medium. But it’s also a very direct motif in my work: it’s loneliness but I want to make a connection. So those two things coming together, it’s like feeling slightly separate from the world, but also want to be part of something larger than yourself.

One of the aspects that struck us most about your works, is that they can be observed from afar, with an overview reminiscent of cinema, and up close, where every single detail matters and contributes to indelibly imprinting concepts and feelings. Can these two ways of observing go so far as to expose even opposing concepts in the same shot?

One thing I always look for in my work is opposition. I’m really interested in contrasting and opposing polarities. Whether it’s like nature and culture, light and darkness, day and evening, beauty and sadness. So, one of those polarities is this idea of being intimate, having some sense of intimacy but also detachment. That’s an interesting kind of combination for me, like having something feel private and intimate, but at the same time removed and separate.

After an exhibition in the early 2000s, you return to Italy with an entire monograph, and you are also the first international artist to exhibit at the newly founded Galleria di Italia in Turin dedicated to photography. In your opinion, can the interpretation of your works be different depending on the cultures or societies in which you exhibit them, or do you aim to create universally understandable concepts regardless of the particular culture of origin?

I feel like my job as a photographer is just to make the pictures as best I can, trying to make them as beautiful and mysterious and as formally complex. But once I make the picture, the whole picture goes out in the world, and then the viewership brings their own meaning to the photograph. So, I really don’t have any expectations about how pictures can be read outside of my own making of the pictures, but one of the great pleasures for me is that people bring their own stories to the pictures because photography is very different, I believe, than other narrative forms and that it relates to unfinished stories in a certain way. The viewer has to bring their interpretation to the picture no matter what. So, it always remains a kind of question and never an answer. The viewer has to bring their own associations wherever that might be.

Do you think of Eveningside as one of your best projects?

Of course! You know, I think artists go through cycles and like, there’s this moment of excitement when the pictures come out into the world, but at the same time you have to be prepared at the moment where you lose ownership of the pictures and you have to let them have their own lives. I feel that the quality of storytelling feels different, and the black and white is something that I’ve always wanted to do with the full production team. I’ve never done that before, and it makes me very excited too. It shows me a lot of possibilities of where to go next.

Interview by Federico Emmi e Silvio Villa

Cover Photo: GREGORY CREWDSON, Morningside Home for Women, 2021-2022, Digital pigment print, 87.6 × 116.8 cm © Gregory Crewdson