Rammy Narula è un fotografo di strada che vive a Bangkok ed è noto per le sue foto suggestive, uniche e non filtrate, catturate per strada, grazie al suo modo di utilizzare la luce e il colore, che rendono immediatamente riconoscibile il suo lavoro. Ero curiosa di incontrarlo da tempo; il suo libro ‘Platform 10’ mi aveva ispirata quando sono arrivata per la prima volta a Bangkok, spingendomi a provare la fotografia di strada intorno a Hua Lamphong, la stazione centrale di Bangkok, uno dei luoghi più iconici della città. Così, sono stata felice quando ha accettato di incontrarmi per un caffè e per parlarmi del suo personale percorso nel mondo della fotografia.
La storia fotografica di Rammy è iniziata come rimedio ai problemi di acufene e ansia. Come spesso accade, ciò che era iniziato come un modo per distrarsi si è presto trasformato in una profonda passione. Le sue foto hanno un forte impatto grazie alla loro composizione, all’emozione che trasmettono, alla fantasia e all’uso della luce. Spesso evocano un senso di mistero e ambiguità, che lui definisce come due elementi essenziali per una buona foto di strada. Durante la nostra conversazione, abbiamo discusso della fotografia di strada come un linguaggio universale e dell’esplorazione dell’autoritratto, che gli ha permesso di comprendere meglio le complessità del suo mondo interiore. Ha anche condiviso il suo passaggio alla scrittura nel suo processo creativo, affiancandola alla fotografia. Ho davvero apprezzato il tempo trascorso insieme e, in particolare, le sue riflessioni sulla creatività e sul dubbio di sé, un tema che molti fotografi affrontano, ma raramente discutono.
Come è iniziato il tuo percorso fotografico?
Nel maggio del 2011, ho iniziato a soffrire di acufene, e poco dopo ho sviluppato problemi d’ansia piuttosto gravi, principalmente perché ero spaventato dall’idea che ci fosse qualcosa di molto più serio che causava il ronzio nell’orecchio. Stare a casa era diventato estremamente difficile, quindi uscire per cercare di soffocare il rumore era uno dei modi per abituarmi a una condizione che non sarebbe sparita da sola. Mio fratello mi ha dato una macchina fotografica, pensando che potesse essere una buona compagna da portare con me. Presto, la fotografia è diventata qualcosa che facevo ogni volta che potevo.
Cosa ti ha attirato inizialmente alla fotografia di strada come genere?
La fotografia di strada non è venuta subito. Ho provato diversi altri generi mentre imparavo a usare la macchina fotografica in workshop locali. Durante uno di questi workshop, mi sono stati presentati i lavori personali di alcuni fotografi, che venivano definiti “fotografia di strada”. La libertà di espressione all’interno di quei lavori mi ha affascinato, e mi ci sono subito connesso. Senza contare la facilità di entrare in questo mondo, che mi sembrava un grande vantaggio—una macchina fotografica e un obiettivo erano tutto ciò che serviva, senza bisogno di portarsi dietro molti accessori. Prima di allora, non mi rendevo conto che la fotografia potesse essere così comoda e al contempo produrre opere così significative.
Cosa definisce una foto di strada per te?
È una domanda difficile da definire, poiché le parole non possono rendere giustizia alla definizione, ma ci proverò. Per me, una fotografia di strada offre uno sguardo sulla visione unica di qualcuno riguardo le caratteristiche che rappresentano la vita umana. Emozioni. Comportamenti. Segni e tracce di cosa significhi essere un essere umano. Viene realizzata senza alterare o posare ciò che è davanti alla macchina fotografica per il fine della fotografia. Una buona fotografia, per me, offre anche spazio per l’interpretazione e arriva con un po’ di mistero e ambiguità. Cosa stava pensando il fotografo? Cosa ha visto? Quello che sto guardando e a cui mi sento attratto è lo stesso che ha attratto il fotografo? Apre uno spazio per l’immaginazione e pone più domande di quante ne risponda. È ancora meglio quando mi fa anche venire voglia di conoscere il fotografo e le sue opinioni sulla realtà.
Percepisci la fotografia di strada come un linguaggio universale, o pensi che differisca tra paesi e culture? Quali sono i tuoi pensieri sull’emergere di un’estetica fotografica globale nella fotografia di strada? Noti delle differenze fondamentali tra approcci “orientali” e “occidentali” a questo genere?
Forse non è la migliore analogia, ma possiamo pensare alla fotografia di strada come allo sport, per esempio. Ci sono alcuni principi di base in ogni sport che sono universali, e tutti seguono questi principi, ma non c’è un modo o uno stile fisso di praticarlo, e questo può apparire molto diverso da paese a paese. Ogni paese ha influenze diverse, e inoltre, la fotografia di strada è soggetta a diverse leggi di protezione pubblica e a vari gradi di tolleranza del pubblico. Possiamo anche vedere alcune somiglianze emergere quando le influenze attraversano i confini e le pratiche di alcuni fotografi vengono adottate altrove. È davvero interessante osservare i lavori di ogni comunità e quanto differiscono, così come il livello di influenza che i fotografi molto rispettati hanno nei loro rispettivi paesi. Non penso che sia così semplice come parlare di Oriente o Occidente, ma piuttosto più di differenze da paese a paese in molti casi.
Il tuo libro Platform 10, pubblicato nel 2016 da Peanut Press, è una serie affascinante di foto che hai scattato alla stazione Hua Lamphong di Bangkok. Hai deciso consapevolmente di concentrarti sull’arrivo di un singolo treno, alla stessa ora, ogni giorno. Qual è stata la ragione di questa scelta? Ti sei accorto di diventare più ricettivo alla scena man mano che la tua intenzione e pratica si approfondivano?
Posso essere piuttosto ossessionato da ideali perfezionistici quando qualcosa mi interessa. Posso anche essere piuttosto pigro. Ripensandoci, forse una combinazione di questi fattori ha contribuito a limitare il progetto a un solo treno, sempre alla stessa ora, ogni giorno. Mi piaceva molto l’aspetto delle prime fotografie che avevo scattato dalla piattaforma e non volevo deviare da quello stile. A quel tempo, mi sembrava che aggiungere altro da altre aree della stazione, o al di fuori di essa, avrebbe diluito ciò che c’era di speciale. Inoltre, non ero molto abile nel mio linguaggio fotografico e non mi sentivo pronto ad ampliare il progetto, poiché avrebbe richiesto molto lavoro di editing e la creazione di una serie fotografica di lungo termine. Ecco dove la mia pigrizia è entrata in gioco, dicendomi: “No, non farlo, questo è abbastanza.” Con il tempo, ho ridotto ulteriormente ciò che era incluso nella selezione finale. C’era una deliberata omissione di tutto ciò che poteva indicare allo spettatore l’anno in cui erano state scattate le foto, ad esempio non includendo i telefoni cellulari nella versione finale. Volevo dare un senso senza tempo alle immagini e creare la mia realtà di questo luogo, congelandolo nel tempo, per così dire.
Ti appassiona viaggiare ed esplorare le strade di paesi stranieri. Pensi che il tuo approccio alla fotografia di strada cambi quando ti trovi in un ambiente non familiare? Se sì, in cosa differisce dal tuo approccio a casa? Trovi più difficile o più facile fotografare in un luogo straniero e sconosciuto?
Un tempo era molto diverso. Quando viaggio, sono molto più consapevole dell’ambiente circostante e anche più cauto riguardo alle reazioni delle persone alla mia fotocamera. La mia ansia non aiuta, dato che è piuttosto difficile calmare i nervi. Per questo motivo, il mio lavoro era sempre un po’ più astratto quando viaggiavo. Fotografavo meno volti direttamente per evitare confronti. Col tempo, però, la mia propensione a fotografare persone con il volto visibile si è ridotta. Mi piace il lavoro più astratto che di solito realizzo quando viaggio, e l’ho adottato anche quando fotografo a casa, in Thailandia. Lo trovo più naturale per i miei sensi e quindi ora è più o meno lo stesso, sia che mi trovi a casa o in viaggio.
L’autoritratto sembra giocare un ruolo significativo nella tua espressione fotografica. Minor White una volta disse: “…tutte le fotografie sono autoritratti.” Questa affermazione risuona con te? Puoi raccontarci di più sul tuo percorso in questo genere e su cosa significhi per te, sia come fotografo che come individuo?
Sono assolutamente d’accordo al 100%. Non mi era sempre stato chiaro che fosse quello che stavo facendo, ma forse avrei dovuto capirlo quando ho sentito il forte richiamo della fotografia di strada fin dall’inizio. Ho detto di sentirmi attratto dall’aspetto della libertà di espressione nella fotografia, e quello avrebbe dovuto essere il primo indizio. Essenzialmente, cerchi modi per descrivere come ti senti e per comunicare ciò che ti interessa nel miglior modo possibile. Un mio amico me lo ha fatto notare, dicendo che sentiva che tutto il mio lavoro parlava di me. Inizialmente ho avuto un’espressione perplessa e ho chiesto: “Anche oltre i veri e propri autoritratti?” E lui ha risposto di sì, riusciva a vedermi in molto del mio lavoro. Ho sempre trovato difficile spiegare me stesso in poche brevi frasi, e così la fotografia è diventata un bel modo conciso per dire qualcosa, senza bisogno di parole per spiegare. È bello poter mettere qualcosa nel mondo senza doverlo spiegare o difendere. C’è molto meno giudizio, soprattutto quando non si cerca di conformarsi alle aspettative di nessuno. Fotografo a modo mio, ho sempre insistito nel farlo, e questa ostinazione rappresenta gran parte del mio lavoro, incluso il tentativo di far rientrare i miei autoritratti nella categoria della fotografia di strada quando molte persone direbbero che non lo è. Alla fine è solo fotografia, e finché stai rappresentando te stesso, stai facendo giustizia a te stesso e alla forma d’arte.
Sembra che il tuo recente focus (su Instagram) si sia spostato verso la scrittura, con meno post fotografici. Potresti condividere il motivo dietro questo cambiamento? E cosa possiamo aspettarci da te in futuro?
Negli ultimi 12-13 anni ci sono stati alcuni periodi in cui mi sentivo meno attratto dal fare fotografie. Prima lottavo contro questa sensazione, spesso non piacendomi per il fatto di non scattare foto. Mi chiedevo se fossi veramente un fotografo e se il titolo di fotografo fosse stato davvero meritato. Poco più di un anno fa, ho iniziato a lasciar andare questo giudizio su me stesso. Anche se non è stato facile, ho notato una diminuzione nell’intensità della mia battaglia interiore. Ho iniziato a scrivere per continuare a esprimermi creativamente. È venuto naturale, dato che ho sempre voluto scrivere ma non ho mai investito tempo in esso. Mi sono convinto, giustamente o no, che non dobbiamo fotografare continuamente per considerarci artisti o fotografi, e in questo senso mi sento più libero. Ho anche iniziato a collaborare con un artista per illustrare i miei scritti e spero di pubblicarli un giorno. È un viaggio di consapevolezza e riflessione di un fotografo che ha lottato molto negli anni con dubbi e insicurezze. Attraverso la mia scrittura, ho anche connesso con molti fotografi che risuonano con questa lotta, e questo è stato un grande vantaggio.
Dal 2019 sei un fotografo Fujifilm X. Puoi spiegare quali sono le responsabilità e le aspettative che accompagnano questo ruolo? Quali sono alcuni “dos and don’ts” per chi non ha familiarità con il ruolo di ambasciatore di un marchio? Rappresentare un marchio importante influenza la tua libertà creativa? Trovi più facile presentare il tuo lavoro sotto l’etichetta di un marchio riconosciuto?
Il mio rapporto con Fujifilm è uno di totale libertà creativa, senza restrizioni, e ho sempre apprezzato questo aspetto di tutte le persone dell’azienda, sia in Thailandia che in Giappone. Sono stato accolto in questo ruolo anche grazie al mio interesse nell’insegnamento e nel coaching di fotografi, quindi questa è parte della mia responsabilità. Negli ultimi cinque anni abbiamo lavorato insieme su diverse campagne, e loro sono stati molto di supporto sia per quanto riguarda il mio percorso fotografico, che talvolta si trova in una fase di stallo, sia per il mio crescente interesse nella scrittura.
Puoi condividere brevemente con noi la tua esperienza nel fotografare con l’ultima aggiunta alla serie Fujifilm X100, la X100VI? Credi che la scelta della fotocamera influenzi significativamente il risultato di una fotografia o attribuisci tutto il merito esclusivamente all’abilità del fotografo?
L’abilità del fotografo è ovviamente al vertice della piramide, senza dubbio. Anche di fronte a un’attrezzatura sconosciuta, credo che un fotografo possa comunque produrre lavori di cui essere orgoglioso. Tuttavia, è anche vero che, se si ha la possibilità, la scelta che un fotografo fa riguardo a quale fotocamera utilizzare può avere un impatto significativo sul suo lavoro. Scegliere lo strumento giusto per il lavoro non è qualcosa da sottovalutare. Un fotografo che soffre di mal di schiena troverà sicuramente più difficile portare in giro una fotocamera pesante cercando di produrre un lavoro che potrebbe essere ottenuto con una fotocamera molto più leggera, per esempio. Ho iniziato a fotografare in un momento in cui avevo bisogno di semplicità nella mia vita, e quindi la serie X100 è stata una decisione facile. Una fotocamera leggera che fa un ottimo lavoro. Ho davvero apprezzato l’ultima edizione della fotocamera, poiché le dimensioni dei file più grandi e l’introduzione dell’IBIS la rendono ancora più versatile. Amo stampare il mio lavoro, quindi la maggiore nitidezza e le dimensioni dei file più grandi sono sicuramente un miglioramento benvenuto. Se sei un fotografo di strada o un viaggiatore che ama viaggiare leggero, questo è un buon strumento da avere per molte ragioni, senza dubbio.
Quali fotografi ti hanno ispirato?
Nel corso degli anni ci sono stati diversi. In termini di stile fotografico, direi Harry Gruyaert. Il suo approccio alla fotografia a colori e il modo in cui guarda il mondo mi parlano davvero. Ha sicuramente influenzato il modo in cui vedo e produco il mio lavoro. Mi piace molto anche il lavoro di Jay Maisel, così come i suoi scritti sulla fotografia. Mi hanno aiutato a modellare il mio pensiero e l’approccio al lavoro, specialmente nella scelta dei soggetti. Ho anche imparato molto partecipando a workshop con molti insegnanti diversi.
Silvia Donà
Instagram: @rammynarula